You log on. You ask a search engine to show you some artistic creations. It presents you with photographs, paintings, poems, films, sculptures, digital works, and sound art.
And you wonder: in a world where technology can produce images, texts, sounds, and videos in a matter of seconds, why do human beings still devote time to creating?
Surely, creating is not just producing.
For a human being, creating is an experience. It means searching, choosing, hesitating, feeling, starting over, sometimes abandoning one idea to follow another. The work is the result of this process, but the experience of creating matters too.
Humans have always created to express what they feel, tell stories about what they experience, understand what is happening to them, imagine what does not yet exist, or share their way of seeing the world. They give form to their experience: a text, an image, a piece of music, a movement, an object, a film, a digital work. From the age of cave art to our age of generative art, humans still feel the need to give form to their experience and share it.
Whether it is seen by millions of people or only a few, a creation can have meaning for the person who brought it into being. Because before a work can circulate, be discovered, transmitted, or recognized, someone first had to feel the need to create it.
Technology has always transformed the means of creation. Photography, cinema, computers, the Internet, and now artificial intelligence have opened up new possibilities.
The question, then, is not about choosing between humans and technology. A human being can create with a pencil, a camera, a video camera, a computer, or algorithmic tools. The tools change. The forms change. The way we create changes too.
But human experience continues.
We continue to love, lose, hope, doubt, observe, remember, and imagine. And as long as we feel the need to give form to that experience, we will create.
We will continue making art.
📚 All Micro-essays
This text is part of the Understanding Today’s Culture series, a chronicle of our global networked culture.
When we talk today about the use of artificial intelligence in art, the discussion almost always revolves around the same themes: AI-assisted creation, image, music and text generation, prompts, aesthetics, authorship, copyright, and authenticity.
These approaches are legitimate. They address real and necessary issues.
👉 But they leave aside a fundamental aspect of AI’s real impact on art and culture: circulation.
This reflection is also presented in video form.
The video deepens this reflection on the use of AI in art and on the role of algorithms in shaping contemporary culture.
Beyond creation: the blind spot of the debate
Public discourse on AI in art largely focuses on what AI produces. Yet the most profound transformation does not lie in what AI generates, but in how art circulates, becomes visible, is contextualized, archived, or forgotten.
AI does not only create images, sounds, texts, or videos. It organizes the conditions under which works encounter audiences.
A global, automated, and selective circulation
Today, works circulate through systems governed by algorithms:
search engines,
social media platforms,
databases and archives,
recommendation systems,
conversational artificial intelligences.
This circulation is neither neutral nor always equitable.
Certain works benefit from massive visibility, while others remain marginal or invisible—often independently of their artistic value.
And paradoxically, artists themselves often have little control over these mechanisms:
they do not know how algorithms function,
they do not understand why a work circulates or not,
they cannot clearly identify what triggers visibility or invisibility,
they frequently navigate these systems blindly.
AI as algorithmic mediator
AI now acts as a form of automated cultural mediation at a planetary scale.
Where human mediators—critics, institutions, educators, curators, programmers—once played a central role, algorithmic systems increasingly orient access to works, references, and cultural narratives, often invisibly and without explicit explanation.
These systems select, prioritize, translate, summarize, recommend, and archive cultural content at a planetary scale.
A worldwide phenomenon
This algorithmic circulation now concerns all regions of the world.
Whether in India, China, Africa, the Americas, Europe, or Australia, artworks, images, narratives, and cultural forms enter the same digital infrastructures of diffusion, recommendation, and indexing.
However, while networks are global, conditions of visibility are not always equal. Algorithms tend to favor certain languages, formats, and aesthetics, sometimes marginalizing artistic and cultural expressions that are nonetheless vibrant and alive.
The global circulation of art organized by AI thus raises critical issues of cultural diversity and representation that go far beyond national borders.
Cultural responsibility therefore remains human, even within algorithmic infrastructures.
AI as organizer of visibility and cultural memory
Beyond circulation, AI plays a growing role in shaping cultural memory.
What is indexed, cited, summarized, recommended, or reused contributes to defining what will be remembered, transmitted, and legitimized over time.
This transformation increasingly unfolds outside traditional institutions—galleries, museums, academies—within digital infrastructures whose criteria remain opaque.
The impact is profound: it reshapes how art is perceived, recognized, transmitted, and preserved in the 21st century.
A historical perspective
I have been using the web since the mid-1990s. At that time, artists were already questioning how to exist online: creating virtual galleries, sharing images of artworks, and exploring new forms of visibility and circulation.
Long before generative AI or conversational systems, algorithms were already shaping how culture circulated—through early search engines, indexing mechanisms, and later, recommendation systems.
For more than thirty years, algorithms have structured the circulation of culture: from early search engines in the 1990s, to social media platforms, recommendation systems, and now large-scale AI models.
Generative AI is only the most visible layer of a much older infrastructure that has long organized access to culture.
The artist as an actor of circulation
In this context, the role of the artist evolves.
The artist is no longer only a creator of objects, texts, or concepts, but also:
an actor of circulation,
a witness to algorithmic mechanisms,
responsible for how their work enters the global network.
Publishing, linking, indexing, documenting, and observing the circulation of works becomes an artistic act in itself.
The artist becomes not only a creator, but also a conscious participant in algorithmic visibility systems.
A situated practice: humanist digital art
Within what I define as a humanist digital art approach, I create, publish, and observe works while fully acknowledging that they immediately enter algorithmic systems of diffusion, indexing, and interpretation.
These works are not conceived as isolated objects, but as presences that circulate, transform, and inscribe themselves within a shared digital memory.
The goal is not to submit to algorithms, nor to reject them, but to remain attentive to their effects and to reaffirm the centrality of human experience.
Beyond creation
We speak extensively about AI as a tool for creation.
But the most profound impact lies elsewhere: in the way algorithms quietly organize the global circulation of art and culture.
As long as art and culture speak of humanity, the human will remain at the heart of the digital world.
To situate this reflection on AI infrastructure within the corpus of Humanist Digital Art
I invite you to explore Understanding Today’s Culture, a series of micro-essays devoted to human experience, contemporary culture, and our networked world.
Note to readers: My website and most of my creative work are originally written in French. You can easily translate any page using your browser’s translation feature to explore my poetic and visual world in your preferred language.
In this video, I present the essential ideas behind what I call Humanist Digital Art.
Video – Humanist Digital Art: presentation by Gilles Vallée
A question of naming
Is Humanist Digital Art a new artistic movement?
No. What is new is the name.
The practices already exist. They circulate across social media, move between platforms, cross borders, and grow from intimate human experiences and social realities.
For more than fifteen years, I have observed artistic forms emerging online that use digital tools to speak about the human condition. What I propose is not to create something new, but to name what is already present.
Humanist Digital Art is an attempt to designate an artistic territory that exists, yet lacked a shared expression.
Naming a practice that already exists
What I call Humanist Digital Art is not something I invented. It is a constellation of digital practices centered on human experience: memory, fragility, anger, identity, vulnerability, resilience, and the search for meaning.
Across the web, thousands of artists use digital media to reflect who we are.
Among the most visible forms:
Instapoetry
Digital writing
Visual poetry
Poem-images
Socially engaged digital art
Political digital art
Digital haiku
Hybrid works combining poetry, photography, typography, and video
These practices are diverse in form, but they share a common orientation: technology used in the service of human expression.
Together, they form not a centralized school, but a broad, dynamic field.
After more than twenty years creating and publishing digital poetry, poem-images, poetic videos, and digital sculptures, I felt the need to name this field — not to limit it, but to clarify its coherence.
I am not trying to create a movement. I am recognizing one.
It is global. It includes well-known artists, emerging creators, and anonymous voices. It unfolds across platforms, cultures, and languages.
Digital media becomes a space where:
social fractures are expressed
inner wounds are articulated
poetic impulses take form
political tensions are witnessed
memory is preserved
Some works are hybrid: physically created, digitally amplified.
Banksy is a striking example. His art is physical, but its global impact exists through digital circulation.
In another field, Rupi Kaur’s poetry became globally recognized through online diffusion. The digital space became not just a tool, but a living medium.
These examples illustrate a broader phenomenon: digital infrastructure amplifies human expression.
Humanist Digital Art emerges within this context.
What I mean by Humanist Digital Art
Humanist Digital Art is first a stance.
It means using technology to speak about the human being — not to replace or overshadow it.
It is an art attentive to:
memory
fragility
resilience
consciousness
vulnerability
dignity
In my own practice, this takes the form of:
poem-images
poetry integrated into digital compositions
luminous digital imagery
reflections on memory and forgetting
introspective first-person writing
I do not position myself above this field. I am one of its voices.
If I propose this term, it is to offer a lens — a shared language for describing practices already present.
What Humanist Digital Art is not
To clarify its identity, it is useful to distinguish it from other digital practices.
It is not:
technological spectacle
performance centered on technical prowess
art generated without human intention
purely algorithmic experimentation detached from lived experience
market-driven crypto-art
or a simple derivative of generative AI
Nor is it reducible to social or political digital art, although overlaps may exist.
The difference lies in orientation.
Social digital art focuses on collective issues. Political digital art responds to contemporary political realities. Humanist Digital Art focuses first on lived inner experience.
Technology remains a medium. The human remains the center.
Why name it now?
After years of creating and observing, I felt the moment had come to gather these practices under a clear expression.
Naming does not create reality. It reveals coherence.
To name is not to claim authority, but to clarify perception.
Humanist Digital Art offers a framework for artists who:
use digital media to speak about lived experience
seek sensitivity rather than spectacle
treat technology as a language, not a goal
It proposes a vocabulary for describing a tendency already active in contemporary digital culture.
Conclusion: recognition, not invention
Humanist Digital Art is not a movement I invented. It is a field I recognize — and to which I contribute.
Digital infrastructures now shape global artistic circulation. Within them, many artists use technology to speak about what we share:
our humanity.
To situate this reflection within the Humanist Digital Art corpus
After describing my personal approach as Humanist Digital Art, I discovered that the creative company 4D ART, founded by Michel Lemieux, also uses this expression in its public identity.
Their formulation refers specifically to immersive stage productions and multimedia creations.
My usage differs. It arises from a poetic and visual practice and aims to describe a broader global artistic tendency observed among artists using digital media to express human experience.
Out of respect and intellectual honesty, I acknowledge that 4D ART has used this expression for many years in a distinct context.
🌍Thinking About Culture
I invite you to explore Understanding Today’s Culture, a series of micro-essays devoted to human experience, contemporary culture, and our networked world.
Les Hybrides surréalistes : exploration poétique et visuelle de l’hybridation entre visages androgynes et formes fractales en art numérique.
Cet article fait partie de la série Poésie visuelle & écritures numériques → Voir la série complète
Les Hybrides surréalistes – Poésie hybride en art numérique par Gilles Vallée : un poème, une série d’estampes numériques et une vidéo artistique explorant l’hybridation entre visages androgynes et formes fractales, entre rêve, abstraction et matière numérique.
Cet article s’inscrit dans ma série « Poésie visuelle & écritures numériques », où j’explore les formes contemporaines de poésie visuelle, les poèmes-images et les écritures hybrides dans l’environnement du web.
Organicité, hybridité, répétitions des structures, la géométrie des liaisons. je suis fragment de la nature
Les arbres généalogiques métissés proposent des visages androgynes dans la forêt des architectures fractales et des esquisses les plus fines. Tout se confond et se transforme. Dès la naissance, nous plongeons dans des univers de mutations pour les identités les plus fluides.
mouvance et métamorphoses la chair de l’hybridation relations intimes et osmose au cœur de l’abstraction
Comme la voilure propulse un vaisseau, le voile translucide sur mes visages me porte vers des avenirs qui bordent les plus fins rivages.
Les estampes numériques
Dans cette galerie, je vous invite à découvrir Les Hybrides surréalistes : une série d’estampes numériques où des visages androgynes se voilent, se révèlent et se transforment au cœur de structures fractales. Chaque image est une variation sur l’hybridation — entre la chair et l’abstraction, le rêve et la matière numérique.
Ce type de création s’inscrit dans une pratique plus large de poésie visuelle et de poèmes-images, où le texte devient une forme intégrée à l’image et à la matière numérique.
La vidéo
Cette courte vidéo — moins de deux minutes — est une traversée visuelle dans l’univers des Hybrides surréalistes. Publiée sur ma chaîne YouTube Art Digital Express, elle fait défiler une succession d’images où l’androgynie et l’abstraction se mêlent, révélant la poésie mouvante des formes fractales et des visages en métamorphose.
Les Hybrides – art numérique surréaliste explore les frontières mouvantes entre identité, abstraction et organicité. Visages androgynes et architectures fractales se croisent, se confondent et se transforment. Chaque image interroge l’hybridation : entre réel et imaginaire, corps et machine, visible et inconscient.
Conclusion – Entre chair, lumière et algorithmes
Les Hybrides surréalistes ne sont ni tout à fait humains, ni totalement abstraits. Ils se nourrissent de textures numériques, de lumières colorées et de fragments de rêves. Chaque visage androgyne est une énigme visuelle, un territoire mouvant où s’entrelacent la chair et l’algorithme, le geste créatif et la logique mathématique.
🌐 Explorer d’autres formes de poésie numérique
Ce poème-image s’inscrit dans un corpus plus large de poésie numérique humaniste, où différentes formes explorent l’expérience humaine :
Cette œuvre s’inscrit dans ma démarche d’art numérique humaniste, où les images et les mots deviennent des formes de présence et de mémoire dans l’espace numérique.
Je vous invite à découvrir la série Comprendre la culture d’aujourd’hui, une série de micro-essais consacrés à l’expérience humaine, à la culture contemporaine et au monde en réseau.
Découvrez l’univers des estampes numériques : art contemporain, diffusion en ligne, collaborations internationales et créations hybrides mêlant imaginaire, poésie et intelligence artificielle.
Le monde des estampes numériques
Cet article fait partie de la série Réflexions sur l’art, la poésie et la culture → Voir la série complète
L’imagerie numérique n’a cessé de se réinventer depuis ses débuts, ouvrant de nouvelles perspectives créatives et artistiques. J’ai commencé à travailler avec des images numériques il y a environ vingt ans, utilisant principalement des cliparts et intervenant sur des photos. Aujourd’hui, les logiciels graphiques offrent des possibilités infinies pour la création et la modification d’images, donnant naissance à un nouveau domaine artistique : l’estampe numérique. Cette réflexion s’inscrit dans une exploration plus large des formes contemporaines de création et de diffusion de l’art à l’ère numérique.
Cette exploration des estampes numériques s’inscrit dans ma démarche d’art numérique humaniste (ANH), où la technologie n’est pas une fin en soi mais un moyen de faire émerger des images qui parlent de mémoire, d’expérience humaine et de sensibilité face aux transformations du monde.
Dans cette perspective, l’estampe numérique devient à la fois une œuvre et un vecteur de circulation, inscrite dans un réseau global de diffusion artistique.
Définition selon Wikipédia
Selon Wikipédia, une estampe numérique est définie comme suit :
« Une estampe numérique est une œuvre dont l’ordinateur est le principal outil de conception pour créer une matrice de données numériques. Une imprimante numérique, le plus souvent à jet d’encre, est ensuite utilisée comme moyen d’impression sur divers supports. »
Définition selon le robot conversationnel ChatGPT
J’ai demandé à ChatGPT le 20 juin 2024 de donner une définition de « Estampe numérique » :
» Une estampe numérique est une œuvre d’art créée à l’aide de techniques numériques. Contrairement aux estampes traditionnelles, qui utilisent des méthodes comme la gravure, la lithographie ou la sérigraphie pour imprimer des images sur du papier ou d’autres supports, les estampes numériques sont produites par des imprimantes à jet d’encre, des traceurs ou d’autres dispositifs de reproduction numériques. »
Un peu d’histoire selon ChatGPT
Les estampes numériques ont commencé à émerger dans les années 1980 avec l’avènement des technologies informatiques et des imprimantes à jet d’encre de haute qualité. Ce nouveau médium a gagné en popularité dans les années 1990 et 2000, alors que les artistes ont exploré les possibilités offertes par les logiciels de graphisme et les imprimantes numériques pour créer des œuvres d’art innovantes et accessibles. Aujourd’hui, l’estampe numérique est reconnue comme une forme d’art à part entière, permettant une grande créativité et une reproduction précise.
L’importance des lieux de diffusion et des galeries en ligne
Pour diffuser l’art contemporain (incluant les estampes numériques) et le rendre accessible à un plus large public, de nouveaux moyens ont été nécessaires. Les centres d’artistes, jouant un rôle clé dans cette démarche, ont intensifié leurs efforts pour promouvoir les œuvres de créateurs du domaine du numérique. Parallèlement, les galeries en ligne ont connu un développement significatif, offrant une vitrine virtuelle pour l’art moderne.
Ces plateformes numériques permettent non seulement une visibilité accrue pour les artistes, mais aussi une accessibilité sans précédent pour les amateurs d’art du monde entier. Les galeries en ligne et les centres d’artistes constituent ainsi des outils essentiels pour la démocratisation de l’art, facilitant les échanges culturels et l’appréciation des œuvres au-delà des frontières géographiques.
Grâce à ces initiatives, l’art trouve de nouvelles voies pour toucher un public diversifié, enrichissant ainsi le paysage culturel global.
LE CENTRE D’ARTISTES VOIX VISUELLE
Voix Visuelle est un bon exemple. A chaque année depuis près de deux décennies, le centre d’artistes Voix Visuelle à Ottawa organise l’Exposition internationale d’estampe numérique miniature. L’exposition a lieu en galerie et en ligne sur des réseaux sociaux.
J’ai participé une dizaine de fois à l’exposition. Je vous propose ci-dessous un exemple :
Estampe numérique: La poésie des métamorphes
Le Festival d’art numérique FONLAD
Le Festival d’art numérique FONLAD est un autre exemple pour la diffusion en ligne et dans des lieux physiques. Le festival FONLAD est un événement dédié aux arts numériques et multimédia. Il se tient annuellement au Portugal, généralement à Coimbra, bien qu’il puisse inclure des événements satellites dans d’autres villes et pays.
J’ai participé en 2014, 2015 et 2016 avec des estampes numériques. Je vous propose ci-dessous un exemple :
Estampe numérique: Divergent thinking
Web Art Center
Le Web Art Center (en collaboration avec FONLAD) a aussi aidé pour la diffusion de l’art numérique. Je vous propose un exemple ci-dessous avec une estampe numérique intitulée « Not Art non-artistic masterpiece for nobody » que j’ai proposée pour l’événement Non biennale en 2014 :
« Not Art non-artistic masterpiece for nobody »
Diversification des moyens de diffusion
En plus des galeries en ligne et des événements de centres d’artistes, les estampes numériques peuvent être diffusées de différentes façons; elles peuvent être imprimées sur divers supports et proposées dans des galeries d’art. Par exemple, j’ai imprimé certaines de mes œuvres sur des plaques d’aluminium et des feuilles d’acrylique pour les exposer et les vendre lors d’expositions.
Aujourd’hui, le réseau lui-même devient un espace d’exposition.
Estampes numériques et art postal
J’ai également exploré le concept de faire voyager des estampes numériques à travers des événements d’art postal, ce qui m’a permis de collaborer avec des artistes de différents pays dans des expositions collectives. Ces projets de Mail Art allient les outils informatiques contemporains et les services traditionnels de la poste. J’ai participé à plusieurs projets d’art postal dont les suivants:
Mail Me Art Two | Red Gate Gallery à Londres
A Book about DeathNew York | SAL Art Gallery
A Book About Death Australia | Tweed River Art Gallery
The Day of The Dead | Queens Museum of Art à New York
Avec de l’imagination …
La production d’estampes numériques offre une grande flexibilité; avec un peu d’imagination, on peut réellement diversifier les moyens de diffusion artistique. Depuis plusieurs années, je propose des images pour des projections lumineuses (mapping) sur une église lors de l’événement annuel Le Showfrette à Beloeil. J’ai également diffusé des œuvres sur des écrans lors d’expositions de sculpture. Sur ma chaîne YouTube (Art Digital Express – YouTube), je publie des vidéos présentant des diaporamas d’estampes numériques et je fusionne l’imagerie numérique et la poésie dans des poèmes-images que je publie sur mon site WordPress ( Poésie & Images – Gilles Vallée Art | Art Digital Express (gillesvalleeart.ca ).
Une galerie d’art dans l’espace
On peut même exposer dans l’espace… En 2016, j’ai fourni deux estampes numériques à la NASA suite à un appel ouvert aux artistes et au grand public pour envoyer des images numériques dans l’espace. Ces œuvres ont été enregistrées sur un disque à bord de la navette spatiale pour la mission Osiris-Rex, dont l’objectif était de prélever des échantillons sur l’astéroïde Bennu. Le disque contenant les images restera en orbite autour de la Terre pendant des millénaires. Une de mes estampes numériques rend hommage à Isaac Newton et Albert Einstein avec leurs signatures; je vous la présente ci-dessous:
Adventure Exploration_In memory of Isaac Newton and Albert Einstein
L’univers de l’IA
L’estampe numérique continue de se réinventer avec l’essor de l’intelligence artificielle. Des générateurs d’images comme DALL-E, Midjourney, Bing Image Creator et META AI produisent des visuels toujours plus complexes et étonnants. J’intègre désormais des créations générées par l’IA dans mes estampes numériques, fusionnant ainsi l’art IA avec le travail humain. Voici un exemple tiré de ma série intitulée Online Creativity :
Online Creativity – Estampe numérique générée par IA
ET L’AVENIR ?
L’imagerie contemporaine continue d’évoluer, et il sera fascinant de suivre les futurs développements dans ce domaine, notamment avec l’intégration croissante de l’intelligence artificielle. L’avenir de l’estampe numérique promet de nouvelles possibilités artistiques et techniques encore inexplorées.
Sculpture virtuelle – Image générée par IA – Bing Image Creator
Je vous invite à découvrir la série Comprendre la culture d’aujourd’hui, une série de micro-essais consacrés à l’expérience humaine, à la culture contemporaine et au monde en réseau.
Découvrez comment l’intelligence artificielle crée des dessins en interprétant les demandes des utilisateurs, explorant l’imagination artificielle et la production visuelle par IA à travers images et vidéos.
l’IA et le dessin
Cet article fait partie de la série Réflexions sur l’art, la poésie et la culture → Voir la série complète
l’IA et le dessin
L’intelligence artificielle transforme aujourd’hui notre manière de créer des images. Mais comment fonctionne réellement ce processus ? Et que nous dit-il sur notre propre imagination ?
J’ai posé la question suivante à CHATGPT 4o le 25 mai 2024 : Comment une IA procède pour créer un dessin suite à une demande de l’utilisateur ?
Réponse :
« Pour créer un dessin en réponse à une demande de l’utilisateur, une intelligence artificielle suit plusieurs étapes clés. D’abord, elle analyse la requête de l’utilisateur, en identifiant les éléments spécifiques et les détails demandés. Ensuite, elle utilise un modèle de génération d’images, souvent basé sur des réseaux de neurones profonds, comme les GANs (Generative Adversarial Networks) ou les modèles de diffusion. Ces modèles ont été préalablement entraînés sur de vastes ensembles de données d’images pour apprendre à générer des visuels réalistes et variés. En interprétant les instructions, l’IA crée une représentation visuelle en générant des pixels ou des vecteurs qui correspondent aux descriptions données. Enfin, le résultat est affiné et optimisé pour correspondre le plus fidèlement possible à la demande initiale, prenant en compte la composition, les couleurs et les détails spécifiques. Ce processus combine des techniques avancées de compréhension du langage naturel et de génération d’images pour produire un dessin conforme aux attentes de l’utilisateur. »
Cette réflexion s’inscrit dans ma démarche d’art numérique humaniste (ANH), où l’intelligence artificielle est envisagée non comme un substitut à l’artiste, mais comme un outil révélateur de l’imaginaire humain.
Dessin par IA
Des exemples dans des vidéos de ma chaine YouTube
Exemple avec ma vidéo L’être Social – The Social Being Art – द सोशल बीइंग आर्ट
Exemple avec ma vidéo AI drawings – Dessins par IA – एआई चित्र
Et si le dessin par IA n’était qu’un miroir — parfois flou, parfois révélateur — de notre propre façon de voir, d’imaginer et de représenter le monde ?
Je vous invite à découvrir la série Comprendre la culture d’aujourd’hui, une série de micro-essais consacrés à l’expérience humaine, à la culture contemporaine et au monde en réseau.
Explorez comment le Web transforme la créativité artistique et sa diffusion mondiale, en offrant aux artistes un espace illimité pour partager œuvres visuelles, poésie, vidéos et créations numériques innovantes.
Online Creativity – Créativité en ligne
Cet article fait partie de la série Réflexions sur l’art, la poésie et la culture → Voir la série complète
Le Web a profondément transformé le paysage artistique, offrant aux créateurs des opportunités inédites de diffusion et d’interaction avec le public. Cet article retrace mon parcours personnel, de mes débuts dans les années 1970 à l’ère numérique actuelle, en mettant en lumière les changements majeurs survenus dans la manière de créer et de partager l’art. Cette réflexion s’inscrit dans une approche plus large de l’art à l’ère du numérique, où le Web devient un espace de création, de diffusion et de relation.
Nouvelles frontières de l’art à l’ère du numérique
Le Web constitue un terrain de jeu fabuleux pour la créativité artistique et sa diffusion. Lorsque j’ai commencé à m’intéresser aux arts dans les années 1970, il était difficile d’accéder aux œuvres d’arts visuels. Les options étaient limitées à des photos dans des revues ou des livres, des visites dans des galeries d’art ou des musées. Internet n’existait pas. Les artistes en arts visuels devaient trouver des galeristes pour les représenter, et la diffusion de leur travail se faisait principalement à travers des vernissages et des expositions.
Pour les autres formes d’art, la situation était tout aussi difficile. Les poètes et poétesses devaient trouver un éditeur pour publier leurs recueils ou participer à des soirées de poésie. Les écrivains devaient publier des livres, tandis que les musiciens devaient trouver une compagnie de disques ou un producteur de spectacles.
Avec l’avènement du Web, la diffusion de l’art s’est élargie de manière incroyable. Toutes les formes d’art peuvent désormais être diffusées mondialement : poésie, arts visuels, musique, littérature en ligne avec des livres numériques, vidéos, baladodiffusions (podcasts)… Un monde d’autodiffusion s’ouvre maintenant aux créateurs et créatrices qui n’œuvrent pas dans des réseaux commerciaux traditionnels.
Le Web a offert un monde de diffusion à grande échelle. J’en ai pris pleinement conscience il y a une dizaine d’années. Un soir, j’ai publié une estampe numérique et suis allé me coucher. Le lendemain matin, je me suis aperçu que l’image avait été vue dans plusieurs pays d’Asie pendant la nuit. Depuis, j’ai publié des milliers d’images numériques, des dizaines d’Insta poèmes et des centaines de vidéos sur ma chaîne d’art numérique sur YouTube (Art Digital Express – YouTube). Mes œuvres sont vues dans des dizaines de pays et, à ma grande surprise, une part importante de mon auditoire se trouve en Inde.
Le Web offre aux créateurs et créatrices une opportunité unique de diffusion et un espace d’expérimentation artistique sans frontières et sans contraintes physiques. C’est une révolution pour l’art et ses passionnés. Le Web devient ainsi non seulement un espace de diffusion, mais aussi un véritable espace de création en soi.
Cette réflexion sur la puissance du Web m’a conduit à envisager la création numérique autrement : non plus seulement comme un espace de diffusion, mais comme un lieu d’émotion et de mémoire partagée.
Cette approche s’inscrit pleinement dans ma démarche d’art numérique humaniste (ANH), où la technologie devient un langage sensible, au service de l’expérience humaine, de la mémoire et de la création.
Online Creativity – Créativité en ligne – Art Digital Express
Online Creativity – Créativité en ligne – AI ART IA
Conclusion : Créer, partager, relier
Le Web n’est pas simplement un outil de diffusion : il devient un prolongement de l’atelier, un espace vivant où les œuvres circulent, s’enrichissent des regards, trouvent des échos inattendus. Pour les artistes, c’est une invitation à créer au présent, mais aussi à participer à un dialogue global, à une constellation d’expériences sensibles. En embrassant les possibilités du numérique, l’art gagne en liberté, en accessibilité, et en puissance expressive. Reste à chacun d’inventer sa propre manière d’habiter ces nouveaux territoires.
Video: Online Creativity – Créativité en ligne – ऑनलाइन रचनात्मकता
Je vous invite à découvrir la série Comprendre la culture d’aujourd’hui, une série de micro-essais consacrés à l’expérience humaine, à la culture contemporaine et au monde en réseau.
I experimented with the new AI image generator developed by the company META. This AI is in the development phase, and I must say that the experience is promising in terms of image quality.
The video showcases a slideshow featuring visual artworks generated by AI using META AI. These creations are used for artistic experimentation and are not intended for commercial purposes. Enjoy these captivating images accompanied by music!
Note: I deliberately created images with elements of Mondrian, Rembrandt and Da Vinci.
J’ai expérimenté le nouveau générateur d’images par IA de la compagnie META. Cette IA est en phase de développement et je dois dire que l’expérience est concluante au niveau de la qualité des images.
Cette vidéo propose un diaporama qui présente des œuvres visuelles générées par IA à l’aide de META AI. Ces créations sont utilisées à des fins d’expérimentation artistique et non commerciales. Profitez de ces images fascinantes accompagnées de musique.
Note : J’ai volontairement fait créer des images avec des éléments de Mondrian, de Rembrandt et de De Vinci.
मैंने कंपनी META द्वारा विकसित नई आईए छवि जेनरेटर के साथ प्रयोग किया। यह आईए विकास चरण में है, और मुझे कहना होगा कि छवियों की गुणवत्ता के मामले में यह अच्छा अनुभव है।
वीडियो में META AI का उपयोग करके जनरेट की गई दृश्य कला का स्लाइडशो दिखाया गया है। ये रचनाएँ कला के प्रयोगशील प्रयोग के लिए हैं और वाणिज्यिक उद्देश्यों के लिए नहीं हैं। इन आकर्षक छवियों का आनंद लें, जो संगीत के साथ हैं!
नोट: मैंने जानबूझकर मोंड्रियन, रेम्ब्रांट और दा विंची के तत्वों के साथ छवियां बनाईं।
Images & Art Generated by META AI – Meta IA – मेटा एआई द्वारा उत्पन्न छवियाँ
VOIR LE MENU DÉTAILLÉ CI-DESSOUS POUR VOIR MON TRAVAIL
Quand l’intelligence artificielle réinvente le Pop Art, Andy Warhol retrouve une nouvelle vie numérique.
Pop Art IA – Andy Warhol
Cet article fait partie de la série Réflexions sur l’art, la poésie et la culture → Voir la série complète
Figure emblématique du Pop Art, Andy Warhol a marqué l’histoire de l’art par son style flamboyant, répétitif et profondément ancré dans la culture populaire. Ce que l’on sait moins, c’est qu’il a aussi expérimenté, dès les années 1980, les débuts de l’art numérique à l’aide des premiers ordinateurs personnels.
En hommage à cette curiosité technologique et artistique, j’ai eu envie d’explorer ce que l’intelligence artificielle pouvait générer aujourd’hui… comme si Warhol était encore parmi nous.
Cette exploration s’inscrit dans une réflexion plus large sur la manière dont les technologies contemporaines prolongent et transforment l’histoire de l’art.
Cette démarche s’inscrit dans mon approche d’art numérique humaniste (ANH), où les technologies contemporaines deviennent des moyens de revisiter l’histoire de l’art à travers une sensibilité humaine renouvelée.
🖥️ Andy Warhol, pionnier de l’art numérique
Andy Warhol a toujours eu un œil tourné vers l’avenir. Il n’hésitait pas à intégrer la photographie, la sérigraphie, la vidéo, la musique, et même l’informatique à sa pratique artistique. Dans les années 1980, il a réalisé des œuvres sur ordinateur avec un Amiga 1000 — des images longtemps restées inconnues, récemment redécouvertes. Il fut ainsi l’un des premiers artistes majeurs à s’aventurer dans l’univers encore balbutiant de l’art numérique.
Quand l’intelligence artificielle s’inspire de Warhol
J’ai souhaité lui rendre hommage à ma manière, en m’appuyant sur un outil d’intelligence artificielle moderne : Bing Image Creator, propulsé par DALL·E 3, développé par OpenAI.
J’ai formulé plusieurs descriptions textuelles — des prompts — destinées à générer des images dans le style de Warhol. Les résultats proposent une version réimaginée de son œuvre, dans l’esprit du Pop Art : couleurs vives, visages iconiques, répétitions graphiques, clin d’œil à la culture populaire et à la célébrité. Avec certaines de ces images, j’ai créé une vidéo diffusée sur Youtube.
IA Pop art
La vidéo sur Youtube
Pop Art Imagined by AI – Le Pop Art imaginé par l’IA – पॉप कला Cette vidéo propose un diaporama captivant d’œuvres visuelles générées par IA à l’aide du Microsoft Bing Images Creator, un générateur d’images basé sur DALL-E d’OpenAI. Ces expérimentations artistiques sont exclusivement à des fins non commerciales. Profitez des images fascinantes accompagnées de musique. (Art généré par IA)
Conclusion : la machine comme miroir artistique
Cette expérience invite à réfléchir. Que dirait Warhol de ces images créées par une intelligence artificielle ? Sans doute aurait-il applaudi cette continuité de l’expérimentation.
À travers cet hommage numérique, c’est aussi une façon de prolonger sa vision dans le monde contemporain, où l’art se réinvente au fil des technologies.
L’intelligence artificielle ne remplace pas l’artiste : elle prolonge son imaginaire.
Quand l’art embrasse la technologie, chaque outil devient une extension de la créativité humaine, et l’intelligence artificielle un partenaire inattendu de l’imaginaire.
Cet article fait partie de la série Réflexions sur l’art, la poésie et la culture → Voir la série complète
Depuis toujours, l’art évolue avec les technologies. Chaque innovation technique offre aux artistes de nouveaux moyens d’expression, transformant les pratiques et les perceptions. Cette page explore les liens profonds entre l’art et la technologie, mettant en lumière comment les outils numériques, l’intelligence artificielle et les médias interactifs redéfinissent la création artistique contemporaine. Elle s’inscrit également dans une réflexion plus large sur l’évolution des pratiques artistiques à l’ère numérique.
Quand l’art rencontre la technologie : une exploration contemporaine
Depuis toujours, des artistes font évoluer l’art avec l’évolution des technologies. A chaque fois que de nouvelles technologies font leur apparition, il y a des artistes qui se demandent si on peut faire de l’art avec ces nouveautés. Il y a de nombreux exemples ; nous n’avons qu’à penser à l’invention de la photographie, de la vidéo, des logiciels graphiques… et maintenant l’avancée fulgurante de l’intelligence artificielle avec des générateurs d’images, de textes, de musique…
« Art et technique ont toujours été inséparables, les artistes ayant eu systématiquement recours, tout au long des âges, à des instruments et savoir-faire dont la complexité et la nouveauté stimulaient leur imagination. » Florence de Mèredieu – Arts et nouvelles technologies (Éditions Larousse)
Pour le domaine des arts visuels, les générateurs d’images par IA offrent des possibilités très intéressantes. Les générateurs comme DALL-E 3 (de la compagnie OpenAI), Bing Image Creator (de Microsoft) et Midjourney offrent la possibilité de créer des images a partir de textes… un nouveau monde de création vient tout changer. Dans un langage naturel, on peut s’occuper de la conception et déléguer l’exécution à une intelligence artificielle… Nous venons d’assister à la naissance de l’art par IA (Art IA) … le monde des images générées par intelligence artificielle.
Dans mon cas j’ai travaillé pendant des années avec différentes matières dans le domaine de la sculpture et j’ai aussi développé mes compétences en art numérique. Depuis un an j’expérimente la création avec la génération d’images par IA. C’est vraiment un nouveau monde. J’estime qu’un.e artiste doit faire preuve d’ouverture d’esprit lorsqu’il y a des changements technologiques dans notre société et voir comment on peut travailler avec de nouveaux outils de production artistique.
Cette manière d’aborder la technologie s’inscrit dans ma démarche d’art numérique humaniste (ANH), où les outils — numériques ou algorithmiques — demeurent au service de la sensibilité humaine, de l’imaginaire et de l’expérience vécue. → Art numérique humaniste — Corpus théorique et développements
Il n’y a aucun outil qui remplace la créativité humaine… ce sont les artistes qui doivent utiliser les outils (pinceaux, crayons, logiciels ou IA) pour créer… un pinceau ne peut créer une œuvre sans un.e peintre pour le diriger. Une IA ne peut créer une œuvre artistique sans la sensibilité humaine pour la diriger…
Je considère l’IA comme un outil mais aussi comme une co-créatrice car parfois elle me fait des propositions artistiques auxquelles je n’aurais jamais pensé. Le générateur d’images devient un outil contemporain de production artistique et un co-créateur au niveau de la conception.
Bien entendu il faudra encadrer l’IA avec des lois pour le respect des droits d’auteurs et il faut surtout encourager une utilisation éthique et responsable des générateurs d’images.
Je vous invite à découvrir la série Comprendre la culture d’aujourd’hui, une série de micro-essais consacrés à l’expérience humaine, à la culture contemporaine et au monde en réseau.
